法国超市巨头欲办画廊展示当代艺术
近日，来自法国的一名赞助商表示他希望通过今年夏天在布列塔尼一座17世纪的前女修道院中开办一间新的画廊来改变公众对当代艺术的认知。“在巴黎郊区，各当代艺术空间正在努力迎合少数人的需要，”法国超市巨头Michel-Edouard Leclerc表示。Michel-Edouard Leclerc的父母Hélène与Edouard在1964年时买下了这间名为Capucins de Landernau的女修道院；他们对这幢建筑进行了翻修，并且在旁边建起了一座超级市场（目前已经结束营业了）。通过一个中庭与修道院连接起来的前零售用场地组成了计划中的综合画廊的一部分，它将为占地1300平方米的展厅提供场所。而修道院的小教堂也会被改造成展厅。该画廊预计在今年6月正式营业。 该画廊项目得到了一间“捐赠基金会”的财政赞助——该捐赠基金会”名为“Hélène et Edouard Leclerc Fund for Culture”，它是根据2008年通过的一条政府法律建立起来的，650个赞助人及企业需要捐赠100至4000欧元不等。“这个基金会并不是由Leclerc集团管理的，它不是一个商业营销的工具，而是私人的以家族为引导的组织，”Michel-Edouard Leclerc称。 这个基金会自身并不会负责作品的收藏，而是号召它的成员每年筹备两场大型展览。“每一场展览我都将呼吁基金会里的赞助人参加，”Michel-Edouard Leclerc表示，他尤其希望能够为丹尼尔·布伦（Daniel Buren）、皮埃尔（Pierre Soulages）、安塞尔姆·基弗（Anselm Kiefer）以及雅克·莫诺里（Jacques Monory）举办个展。“我能号召一批愿意出借作品的瑞士及意大利藏家，”他说。Michel-Edouard Leclerc称自己希望每年能够吸引4至5万名观众前来画廊参观，他同时还将展出一系列新兴艺术家的作品。“我希望我的新画廊能够发展成一个与这个地区及国际舞台联系在一起的‘生产’中心。我们希望能成为一个中介者，因为当代艺术与更广泛的观众之间目前只存在很少的对话，”他补充说。 链接：ARTSPY
英国展出达芬奇人体解剖素描 精确度惊人
据英国广播公司(BBC)报道，本周，英国白金汉宫的女王画廊将举办史上最大的达芬奇人体解剖素描图展览。一生之中，达芬奇留下大量有关人体解剖的笔记和素描图，解剖素描图的精确度也达到令人吃惊的程度。 15世纪80年代，达芬奇从故乡托斯卡来到米兰，开始进行解剖学研究并绘制人体解剖素描。这种素描已经超出了普通绘画创作的范畴，并非在画布上混合各种颜色那么简单。他希望了解人体结构，寻找描绘人体的更理想方式。1507年，达芬奇继续进行解剖学研究。接下来的4年时间里，他成为当时最伟大的医学家之一。 1510年至1511年冬季，达芬奇与解剖学教授马尔坎托尼奥-德拉-托雷共同就职于帕维亚大学，期间共对20具尸体进行了解剖研究。达芬奇一直计划对人体机械学进行完整论述，不幸的是，直到去世，他也未能达成这个心愿。1511年，达芬奇所能获得的用于解剖研究的尸体数量骤减。他的好友托雷最后死于瘟疫，米兰也饱受战火摧残。后来，达芬奇逃到助手弗朗西斯科-梅尔吉的乡村别墅，继续进行解剖学研究。 达芬奇一直希望了解人体的构造以及运转机制，1519年去世时，其有关人体的论述并没有完成，科学论文也没有出版。基于保留下来的文献资料，临床解剖学家认为达芬奇绘制的解剖图精确度领先所处时代几百年，从某种程度上说，这些解剖图仍能帮助我们了解人体。 500多年前，达芬奇靠着一双手绘制了大量令人不可思议的人体解剖素描图，精确度与现代数字成像技术不相上下。在一本年代可追溯到1498年的笔记中，达芬奇绘制了一系列头骨素描图。为了绘制这些素描图，达芬奇将面部前端切掉，暴露出下面的构造。在不破坏骨骼的情况下完成切割并非易事。为了让后人了解整个过程，他还特意绘制了所用解剖刀的图画。 英国华威大学临床解剖学教授彼得-亚伯拉罕斯表示，达芬奇人体素描图的精确度与当前任何科学画家绘制的图像不相上下。亚伯拉罕斯说：“如果你真正了解人体解剖学结构，你能够观察到头骨上的所有小洞。达芬奇绘制的解剖图拥有令人吃惊的精确度。他是一位非常细心的观察者，不放过每一个细节。他也是一位非常谨慎小心的科学家，进行了大量实验。他将实验发现付诸笔端，所绘制的素描拥有惊人的准确度。” 亚伯拉罕斯指出，达芬奇绘制的一幅女性躯干素描精确度极高，是他对人体细心观察的结晶。素描图中，肝脏的位置距离这位女性的右侧乳房下方不远，所拥有的尺寸说明这位女性可能患有肝病。不过，这幅图像中的子宫显然是错误的，让人不免联想到母牛等动物的子宫。这种错误说明当时很难获得女性尸体，达芬奇只能利用动物解剖的发现推断人体构造。在这幅素描图的右臂上存在一个指印，应该就是达芬奇本人的。 达芬奇绘制的脊柱素描据信是历史上第一次对脊柱进行准确描述。亚伯拉罕斯表示达芬奇准确描绘了脊骨的曲度和倾斜度以及脊椎骨之间的结构。这幅素描足以奠定达芬奇在解剖学研究史上的地位。作为一幅二维图像，它的精确度与当前的任何脊骨图像不相上下。 除了脊骨素描外，达芬奇的很多人体解剖图都推动了解剖学研究的疆界。除了头骨外，他对人体内的所有骨骼进行了解剖研究并留下珍贵的文字记录。亚伯拉罕斯表示达芬奇是一位出色的建筑师和工程师，这些才能帮助他了解人体的构造和运转机制。他说：“这种机械学和工程学研究方式在过去五六十年的外科领域一度非常流行。” 尽管人体解剖素描图拥有惊人的精确度，但由于处在中世纪，达芬奇无法摆脱一些观点。例如，他认为人类的生殖系统在某种程度上与植物类似。达芬奇在笔记中写道：“所有种子都有一个脐带，在种子成熟后断开。类似地，植物也有子宫和隔膜，种子在荚状子宫内发育。”在描述胎儿的素描图中，达芬奇笔下的子宫像花瓣一样打开。 去世时，达芬奇有关人体解剖学的论述还没有完成，素描图留给他的助手梅尔吉。可惜的是，一些具有突破性的观察发现不幸遗失，例如有关血液如何流向心脏的观察发现。亚伯拉罕斯等解剖学家认为达芬奇的人体解剖素描领先他所处时代300年，精确度甚至超过19世纪的《格雷解剖学》。直到最近，3D数字成像技术获取的图像才在精确度方面超过达芬奇的双手和眼睛。 链接：CHINA
李可染《韶山》1.242亿成交创个人作品纪录
12日晚在北京国际饭店会议中心举行的中国嘉德春拍“大观中国书画珍品之夜”专场上，现代国画大师李可染的革命圣地山水巨制《韶山》以1.242亿元人民币卖出，创造了画家个人作品拍卖的最高纪录。 李可染于上世纪50年代从画室走向自然，远游写生，积累素材。至六十年代，构图日臻成熟，完成由景入境的集约升华。此幅《韶山》创作于1974年，是李可染同类题材作品中尺幅最大的一幅，亦是画家革命圣地山水创作的集大成之作。 据中国嘉德介绍，“文革”期间，李可染一度被迫中断作画。获准对“韶山”题材进行创作让画家重新拿起画笔，继续艺术探索。该幅画作尺寸达141.5×243.1厘米，曾经过多次加工。 该作品起拍价为6800万元。在此之前，李可染个人作品的拍卖纪录是《长征》在2010年创下的1.07亿元。 中国嘉德2012春季拍卖会于12日开槌，15日结束，涵盖中国书画、瓷器家具工艺品、中国油画及雕塑、古籍善本、钟表珠宝翡翠共3800余件作品。 链接：CHINA
《江汉繁星计划•70后艺术家研究展》登陆武汉美术馆
由武汉美术馆主办的《江汉繁星计划•70后艺术家研究展•创异的喜悦》将于2012年5月18日至6月20日在武汉美术馆展出。此次展览是《江汉繁星计划•70后艺术家研究展》系列的第二届，参展艺术家为卜桦、陈丹阳、黄彦、刘波+李郁、李洪波、李暐、林欣、魏青吉、杨勇、张聃、张小涛、赵峥嵘，参展作品70余件，作品类型涉及绘画、动画、雕塑等多个领域。 作为改革开放后的年轻一代，70后艺术家作为一种新的精神价值成为了当代艺术中一颗正在闪耀的繁星，他们在人生阅历、知识结构、审美趣味、艺术取向等各方面都有别于他们的前辈与后辈，在中国当代艺术逐渐步入了一个承前启后的作用，或将在美术史上成为一个“分水岭”。 他们是链接过去，不断发展的艺术群体，这也正是武汉美术馆力图通过展览、出版、学术研究等多种途径，推介70后艺术家的原因所在。 期待学术回归、关注学术研究是武汉美术馆举办此次展览的立足点与出发点，“70后艺术家研究展”作为一个正在进行且将来会一直进行下去的工作，将会通过不断的展览和研究阐释这些艺术家，并将美术馆自身的良性文化元素与学术价值注入到这一计划中，从而逐步确认和明晰70后艺术的学术价值，最终实现70后美术现象价值的传递。美术馆希望通过这一展览计划搭建起与70后艺术家乃至更多更年轻的艺术创作者之间的桥梁，增进艺术家之间的学术交流，希望70后艺术家能创造出更多为大众所接受的和认可的新艺术图式。 链接：CHINA
银河落九天 东京萤火虫节上的LED灯光装置
记得2012新年伊始之时，以一篇《飞火流萤 2012的祈愿》为大家祝福。如今，作为东京萤火虫节的一部分，漂浮在隅田川河里的100000个蓝色LED灯球，仿佛月光下的萤火虫群一样，蜿蜒飞舞，恰似银河落九天一般。 不过别担心会造成河流污染，所有的LED灯球都会飘向下游巨大的网里。 摄影：jeremy v/makure/ajpscs
无声的进化 Jason de Caires Taylor海底雕塑博物馆
位于墨西哥卡昆国家海洋公园迄今为止最大的海底雕塑博物馆已于2010年11月开放，作为创始人和艺术总监的英国雕塑家Jason de Caires Taylor已为其增添400多件水泥雕塑作品，整个雕塑群落命名为：无声的进化（The Silent Evolution）。 泰勒的水下雕塑除了展现艺术外，还能让珊瑚和其他海洋生物自由穿梭其间，甚至附着在雕塑表层，从而“进化”成人造珊瑚礁，为各种海洋生物提供栖息地，最终形成多样性的海洋生态系统。墨西哥建造水下博物馆的一个目的，就是分散每年75万多的游客对当地天然珊瑚的压力，给天然珊瑚留出休养生息的空间。 泰勒一直在思考：人类该如何积极地、不破坏地介入自然，从而与自然和谐共处？水下雕塑正是他交出的答卷。其实，早在2006年他就已经开始尝试了——在西印度群岛格林纳达的莫伊里内勒湾，泰勒创建了世界上第一座水下雕塑公园。 潜水者从上百个拥挤的头顶上掠过，鱼群为避开潜水者躲入拥挤的雕塑群落，鱼群还会在其中产卵。潜水者下潜到9米深的海床，才能和整个真人大小、形态逼真的雕塑群面对面。
艺舟摄影精选 Picark Photos 2012/05/11
“别忘了，在历史上所有那些伟大的照片拍摄时的器材都比你现在拥有的要原始得多。”– Brooks Jensen “Never forget that all the great photographs in history were made with more primitive camera equipment than ...
Ron Ulicny现成品雕塑里的生活幽默
波特兰雕塑家Ron Ulicny用生活当中的现成品来创作作品，从高跟鞋旱冰鞋到喷涌着拼字字母的水龙头，以他的幽默方式来重新阐释生活的奇迹。 这个世界很神奇，神奇的是，你居然没有发现。
丹尼尔·布伦（Daniel Buren）受邀为巴黎大皇宫创作作品
法国每年都会邀请一位艺术家在巴黎大皇宫中为特定场域的装置艺术项目“Monumenta”创作一件作品。巴黎大皇宫是一个比泰特现代美术馆的漩涡大厅更让人生畏的场所——就算它的规模没让你产生敬畏感，它的建筑也会。今年受邀进行创作的艺术家则是丹尼尔·布伦（Daniel Buren），他使大皇宫开敞的中殿沉浸在了一片五彩斑斓的光之海中。 上百个与地面保持水平的圆形顶盖充满了整个空间，它们彼此紧挨在一起，大小、高低不一。每一个圆形的不锈钢框架中都伸展地固定上了蓝色、黄色、橙色或是绿色的半透明塑料薄膜。它们被黑白的立柱支撑起来，看起来就像是一片森林一样。 丹尼尔·布伦（Daniel Buren）之所以会选择这几种颜色，主要还是因为这里的塑料薄膜只有这几种颜色；而颜色的排列顺序则是根据其名字的字母顺序而定的。总之，他是在一种固有的情况下创作出这件作品来的，甚至于顶盖的高度也是由大皇宫的最低天花板高度决定的。它没有对建筑结构“提出质疑”，也没有“挑战”观众，而是任由来自巴黎天空的光、疾行的云朵以及斜射入建筑内部的阳光“摆布”。 丹尼尔·布伦（Daniel Buren）的这件作品让人们完全认识了观看艺术这种行为。它不像之前的某些作品那样具有重要的纪念意义，而是将自己奉献给了视觉以及肉体上的享受。 链接：ARTSPY
艺术巴塞尔香港艺博会（Art Basel Hong Kong）将于明年5月亮相
自艺术巴塞尔（Art Basel）的所有者MCH集团在去年收购了香港国际艺术展（ART HK - Hong Kong International Art Fair）的多数股权后，他们就已经为第一届艺术巴塞尔香港艺博会（Art Basel Hong Kong）拟定好了计划：其将于2013年5月23至26日期间在香港会展中心举行。 这其中有一个小插曲——Art Basel方面坚持要用“Art Basel Hong Kong”来取代“Art Basel in Asia”或是“Art Basel’s ...
Frieze纽约艺博会首战成功
新鲜空气充裕、空间开敞而又设计典雅，首届Frieze纽约艺博会在上星期三拉开了帷幕，它显然没有辜负数月以来的投机和炒作。那些勇敢面对了水域的跨度以及迂回的交通路线来到兰德尔岛的人们也没有失望，他们大多数都享受到了免费渡轮的服务以及相当舒适的通勤班车。这场艺博会毫无疑问吸引来了严肃认真的收藏家和策展人，许多经销商凭借预展开始没多久就成交的几笔大生意而获得了盈利。正如热情的Maria Baibakova(俄罗斯Baibakov Art Projects画廊的创始人)所赞美的那样，Frieze纽约艺博会“是如此新鲜和开放。可圈可点的事物太多所以我无法一一作出评价，但有两个词可以用来做总结：哇！终于！” 本届艺博会举办场地——即帐篷的设计处理了与共享空间的分层相关的问题。规模稍大的画廊均匀地分布在了两端，中间部分则规整地展示了一些规模稍小的画廊。巨大的墙面空间和高耸的天花板为艺博会增添了一丝壮丽的氛围，使得场馆能够完美地展示一些大型的雕塑作品、极简抽象的现成艺术品以及单色画——David Zwirner、高古轩以及利森画廊的展位可以充分证明这一点。欧式的精准严密以及开敞的空间避免了像置身于迈阿密一样的喧哗吵闹。尽管这样的展厅空间给大多数的人留下了非常深刻的印象，不过其中也有一部分人表现得相当“怀旧”，来自Artfagcity的Paddy Johnson就冷静地表示“本届艺博会中的白墙数量有些过多了”。 本届艺博会上的食物同样值得一提，它们多是由诸如The Fat Radish、Standard Biergarten等口碑极好的餐厅提供。向经验丰富的藏家提供放了几天的寿司并不会令他们满意这一事实被这次艺博会的组织者完全地理解了，现场甚至找不到简易包装的三明治。这种显而易见的“进化”成为了到场宾客的一个谈资，来自Observer的Andrew Russeth专门撰写了一篇文章作为展场上的“进食指南”，来自Artinfo的Benjamin Sutton则写道“尽管现在报道作品销售记录还为时尚早，不过至少来自 Frankies Spuntino和The Fat Radish的食物卖得很好”。 至于展出的各种艺术品，据报道说Casey Kaplan与Andrea Rosen等画廊取得了相当不错的交易成绩，在预展当天就几乎卖光了所有的展品。这样的氛围明显贯穿了整场展会，随着时间的发展，许多经销商都开始轻松了下来，纷纷离开展位去觅食。收藏家Alberto Mugrabi、Stavros Niarchos、 Andre ...
蓬皮杜艺术中心有意走向世界 “金砖四国”为其焦点目标
蓬皮杜艺术中心正在考虑通过一系列展馆进军国外、扩展这一法国艺术机构的旗舰品牌的计划。蓬皮杜艺术中心主席Alain Seban称各个博物馆、大学甚至是大型购物中心都能够利用这间机构收藏的七万多件现代及当代艺术品来举办展览；他计划在未来3到5年内打造出一个包含有数间展馆的网状体系，而每间展馆预计占地面积为2000至3000平方米。 蓬皮杜艺术中心这个雄心勃勃的行动可以与已经在纽约、威尼斯、毕尔巴鄂以及柏林等地建立起了全球化博物馆网状体系的所罗门.R.古根海姆基金会进行对比。“古根海姆的扩展模式是以对纽约原型的复制为基础的：高端的建筑，新锐的临时展览，对永久藏品以及品牌的独特魅力的低调展示，”Alain Seban说。“我们将采用一种更加低调的方式，例如在博物馆和大学等现成的场馆中进行一些临时的艺术项目；而历史性建筑、前工业设施或是购物中心也是可以利用起来的。我们将全力利用我们的藏品——它们在欧洲是最棒的，也能够代表我们自身品牌的力量。” Alain Seban目前还没有公布建立展馆的准确的地点，但他暗示了目标将放在经济——以及艺术繁荣发展的“金砖四国”（BRIC，巴西、俄罗斯、印度与中国）上。“向那些计划建立起自己的当代艺术品牌的地区发展是一种战略。诸如中国、印度和巴西这样的国家是能够在未来发展起这样的品牌的。” 这并不是蓬皮杜艺术中心第一次尝试向国外扩张。早在2007年，当时的主席Bruno Racine就表示希望能够在2010年前在上海创办一间由蓬皮杜艺术中心冠名的博物馆。这项计划已经得到了蓬皮杜方面的确定，而新的博物馆的位置则选在了上海卢湾区淮海公园的一所前消防局中。不过由于与中国政府进行的艰难的协商，这项计划最终没能实现。 链接：ARTSPY
