台湾画家刘国松:悠悠水墨情 拳拳赤子心
刘国松，祖籍山东青州，1932年出生于安徽蚌埠，1949年定居台湾。他说自己是个北方人，却在南方成长；是个东方人，却在西方成名。改革开放后，他是第一位来大陆举办画展的台湾画家。他敢于质疑中国画传统，更勇于反思自己。所作所为，皆因他怀有一颗赤诚火热的心。4月29日，刘国松在山东省青州市举办了“情系故里——刘国松·八十回眸”现代水墨作品展。5月3日下午，在刘国松下榻的酒店，他与记者分享了他的艺术人生。 “模仿新的，不能代替模仿旧的；抄袭西方的，不能代替抄袭中国的。” 刘国松开始学习画画是在14岁的时候，当时他念初中二年级。每天放学途中都要经过两个裱画店，后来，就跟着一个裱画师开始学习传统国画。其实，他的绘画天赋已在更小的时候就表现出来了。“小学四年级时，我画的一张铅笔画就被美术老师拿到六年级班上去展示。”现在说起来，先生还是一脸自豪。 1946年，刘国松考入南京国民革命军遗族学校。学校的美术老师对他非常器重，建议他在毕业展览上就画国画。“结果，我画的那些画，学校通通裱了起来。来参观的人也都很认可我，在留言簿上称我为小画家。当时我就下定决心要成为一个画家。” 1949年，刘国松考入台湾师范大学艺术系，正式走上艺术之路。刘国松告诉记者，当时，《艺术导论》这门课程的老师说过一句话——一切艺术来源于生活，这对他产生了巨大影响。“我一琢磨，画国画都是临摹古人，那根本不是来源于生活。当时就觉得中国画太保守了，没有创造性。到大学二年级时接触到西洋画后，觉得西洋画才是来源于生活。从静物写生到人物写生、风景写生，都是取自身边的事物。尤其是西方现代派的画作非常吸引我。”于是，1952年，20岁的刘国松转习西洋画。 “之后的整整7年，从印象派开始，我亦步亦趋地踏着西方现代派大师的脚步模仿西画，一直到抽象表现派。”这时，刘国松产生了疑问：再下去怎么办？是要等到西方再产生一个新的画派时继续追下去？反思之后，他觉得自己“全盘西化”是不对的，必须走“中西合璧”的道路。 “我们一直骂传统的国画家不知创作为何物，都是在模仿古人，以为我们在画西洋的现代画，我们在创造，结果发现我们也是在模仿，只不过模仿的是西方现代画，五十步笑百步而已。”于是，1961年，刘国松重习中国画，并提出：模仿新的，不能代替模仿旧的；抄袭西方的，不能代替抄袭中国的。“想必这两句话到现在都还适用。”他笑着说。 艺术的本质在于创造 谈及艺术创作，传统与创新几乎是一个无法回避的问题。对此，刘国松直言，“创新”与“融合”是其艺术的灵魂，艺术的本质在于创造。 他告诉记者，在决定走“中西合璧”道路最初，他曾尝试着在油画中把中国水墨画的韵味融合进去。“效果也不错，芝加哥艺术馆还收藏了两张我那个时期的画作。” 由于主张创新，当时台湾所有学校的美术系都不敢请他，刘国松最后去了一所高校的建筑系教书。“当时，建筑系有一门材料学的课程，这门课最主要的理论就是：在建筑上，你用一种材料，就应该把这种材料的特性发挥到极致，不可用某种材料去代替另外材料的特性。”刘国松回忆说，当时，自己如同被当头棒喝，恍然大悟。“我居然想用油画来画出水墨画的趣味！既然想表现水墨的趣味，为什么不能真正回到国画传统使用笔墨和纸呢？” 但是，对刘国松而言，放弃油彩与画布重新回到纸墨世界并不意味着要完全遵循古人的画法。他使用了拓墨渍墨、裱贴、喷刷、背染、滴流等各种技法追求“现代化的中国画”。刘国松说，“书画同源”理论进一步推进，就有了“书法入画”“书法即画法”的说法，即用写字的方法画画。由于写字是用中锋，有人还提出“不用中锋就画不好画”的观点。 对此，刘国松提出了在当时引起轩然大波的口号：革“中锋”的命、革“笔”的命。“为什么国画一定要用中锋？为什么国画一定要用笔呢？如果能用别的方法画出笔画不出的线条，那不是很好吗？”刘国松说，自己在提出这个观点之前对中国画的笔墨做了大量研究。“古人也有用弹粉、吹云、指头甚至棉花、树枝等来做画的。” “我的真实想法是把中国绘画的领域拓宽，不是为了否定传统。就这一支笔，上万的画家已经用了上千年，笔墨的运用上已经达到相当高度了，你还能画出什么不同的线条来？”刘国松表示，“我不过是为了让传统的国画家更好地了解笔墨，把他们从文人封建思想的笔墨中解放出来罢了。” 我常常在想，如何才能把中国画向前推展 50年过去了，刘国松所提出的“中国画的现代化”理念与实践，不但获得艺术家们的认同，并且得到美术史和评论学者的支持。2011年，文化部副部长王文章在画集《刘国松创作大展——八十回眸》前言中这样写道：“28年后的今天，我们来看当代中国美术的万千景象，特别是它呈现的主体性的创新变革脉络的时候，仍然可以比较清晰地看到刘国松先生开风气之先的观念变革和形式创新带给中国绘画的影响。” “我常常在想，如何才能把中国画向前推展。”面对西方现代文明的强烈冲击，中国画应如何应对？刘国松认为，作为现代画家，首先要找到自己的坐标。“纵轴是中国五千年的文化传统，横轴是西方现代文明的冲击，两轴交叉点应该在中国。中国画应当在中国传统文化里面有选择地保留，并将其发扬光大；对西方现代文明有选择地接受，并消化吸收。”刘国松强调，消化吸收非常重要，就像吃一块牛排，要让它最后变成我们身上的肉。“我反对横向移植，我反对全盘西化。我们一定要建立起自信自尊，中国绘画曾经领先于西方绘画上千年之久，为什么不会再度超前呢？” 如今，年过八旬的刘国松老人仍在继续创作。他以过人的精力与创作热情，不断地思索拓展中国画的领域，探寻、深入到前人未曾达到的艺术境界。 链接：CHINA
张洹超大雕塑导致多伦多交通停滞
上周日，多伦多城人潮涌动，期待张洹的新公共雕塑《如日之升》的揭幕仪式的热潮蠢蠢欲动，这一仪式几乎占领了加拿大首都最繁忙的街道。这件华丽丽的新作品在大学大街上的多伦多香格里拉酒店门外算是正式落地。多伦多市的议员以及Ontario画廊总监首席执行官Matthew Teitelbaum出席了此次开幕，主角张洹身穿一身银灰色，并戴着一顶很微妙的棒球帽。 在正式揭幕前，张洹首先带领大家进行了焚香仪式，并且在翻译的帮助下朗诵了一首名为《呼吸·声明》（“breathing life"）的诗歌。 这件雕塑从花园里的湖上升起，一群不锈钢的小鸟围绕着根状拱形结构上下翻飞。据Craig White说，这件作品的市价为500万美金，由香格里拉的开发商赞助，而且“这是开发商针对城市地方法第37条所允许的高度限制，于是采取了用公共艺术促进社区以此来进行交换的姿态”。 显然，多伦多现在是张洹热的一个热城。在酒店八月开业之前，《如日东升》在接下来的几个月只能藏在藩篱后面，但是到开业时，雕塑上还有更多的小鸟会被安装上去。不久之前，张洹名为“香灰画和记忆之门”的个展已经在 Art Gallery of Ontario开幕，将展出张洹过去最重要的和最挑战的表演——不过这个展览相比之下倒是冷清，更受大家期待的是张洹版本的亨德尔的《赛魅丽》将由加拿大歌剧公司在5月9日搬上舞台。 这名中国艺术的超级巨星在多伦多可谓是遍地开花，但是唯有一样是缺席的——艺术家本人。多伦多星报的批评家Murray Mhyte写道：“张洹的囚禁、滥用和对承受力的测试是让他成为艺术家的手段。在中国，他对某个事物使用的极端控制实现了他的统治权：他的肉体性。”但是张洹在接受Whyte访问时说道：“生活一直在变。如果我们一直做的都是同一件事，那将会是多么的乏味。” 但是毫无疑问的是，在未来的几个月，乏味可得远离多伦多了，因为张洹效应将要证明他在这里的影响力。 链接：ARTSPY
泰特各地美术馆2013计划揭晓：罗伊·李奇登斯坦作品将领衔登陆
随着各个泰特美术馆明年项目计划的揭晓，艺术爱好者将能够欣赏到一场罗伊·李奇登斯坦的重要作品回顾展，并发现劳伦斯·斯蒂芬·洛瑞受到了法国绘画艺术怎样的影响。 连环画、火柴人和大卫·鲍伊，连同马克·夏加尔、加里·休姆和保罗·克利将于2013年登陆泰特。泰特英国、泰特现代、泰特圣艾夫斯和泰特利物浦四家美术馆，已经对外公布了明年的项目计划，其中包括罗伊·李奇登斯坦的首个重要的20年作品回顾展，以及呈现劳伦斯·斯蒂芬·洛瑞如何受到法国绘画艺术影响的展览。 因着漫画风格绘画作品成为波普艺术的一位开创者的罗伊·李奇登斯坦，将于2013年2月登录伦敦泰特现代美术馆。此次回顾展，展出作品将包括他的里程碑式重量级作品，其中包括都属于当代漫画类别的著名作品《砰…！》（1963），该作品描绘了一架战斗机被另一架击中的情景；以及《溺水女孩儿》。此外，还将展出可以呈现罗伊·李奇登斯坦将其形象的波普风格融入周边环境的“艺术家工作室”系列作品，以及其他现实艺术作品。不仅如此，此次回顾展还将展出该艺术家创作后期包括一系列女性裸体和中国风景画在内的鲜为人知的艺术作品。 泰特美术馆的秋季展出，将献给20世纪艺术史上的一个重要人物——保罗·克利。该艺术家曾在包豪斯学校从事教学工作，他那源自立体主义、超现实主义与原始主义的视觉强烈、色彩艳丽的绘画作品，充斥着对无意识的象征和代指。这也将是10多年来，在英国举办的首次克利个展。 洛瑞个展将于明年6月在伦敦泰特美术馆进行，那也将是自1976年洛瑞逝世后举办的首次洛瑞个展。去年，演员伊恩·麦凯伦曾起诉泰特忽视艺术家洛瑞，起诉是在他指出泰特仅展出了所拥有的23幅洛瑞作品中的一幅之后提出的，而泰特方面对此却矢口否认。虽然洛瑞工业情境里火柴棍样子的工人形象，在英国艺术界非常有名，但是此次展览却要揭示洛瑞是如何受到诸如卡米尔·毕沙罗与莫里斯·尤特里罗等19世纪法国画家影响的。 泰特英国承诺将于明年初夏展示其翻新的一家家画廊，其中包括已经引发争议的搬挪艺术品计划，该计划曾遭到柏林顿杂志的指责：这是令现代艺术品“被”凌驾于前20世纪艺术品之上的可耻行为。另外，泰特英国还将呈现一场展出加里·休姆与帕特里克·考尔菲德（2005年逝世）作品的展览。 泰特利物浦将以名为“华丽摇滚”的表演，触及英国艺术的另一面。该机构承诺将展示1971-1975年间，华丽摇滚时代对欧洲和美国其他艺术形式的影响。该美术馆还将举办“查格尔：一位现代艺术大师”展，这是15年来，该俄罗斯艺术家的首次作品展。 链接：ARTSPY
Ron Ulicny现成品雕塑里的生活幽默
波特兰雕塑家Ron Ulicny用生活当中的现成品来创作作品，从高跟鞋旱冰鞋到喷涌着拼字字母的水龙头，以他的幽默方式来重新阐释生活的奇迹。 这个世界很神奇，神奇的是，你居然没有发现。
趣味沉迷者——龙艺榜系列研究展《91年的迷狂-审视当代绘画III》
是龙艺榜画廊的一个系列性的研究现、当代中国绘画的项目，目前已完成的展览包括：2010年《163年的迷狂-自我意识与文人精神》 (参展艺术家：段正渠、范勃、王顷、马轲、刘瑞昭)、2009年《195年的迷狂-关于绘画性》(参展艺术家：王克举、李晓林、王家增、杨宏伟、杨大治、张颖等)。 91年是参展艺术家从艺术启蒙开始从事绘画的时间总和。艺术家个人的美学“趣味”（品味、taste）是艺术创作个性化最本质的基因，推动绘画对精神性的追寻。当前的中国绘画已经摆脱向西方大师学习技巧与风格的阶段，对主义和流派的热衷退去，同时绘画中观念至上、反技术的风气开始涌动；而参展艺术家崔彦伟、谭军、黄立言、祝铮鸣坚信“绘画是一种极限运动，没有终点的有难度的攀登”（谭军语），其作品不游戏于观念的机巧，也没有迷失于笔墨绘画性的卖弄，而是直面绘画对自我与人性的本质质问；他们独辟蹊径的风格化的创作表现出独特的个人趣味，诡秘的气息与古代中国绘画的传统神秘相连，使人想起历史上个性独特的文人画家们，如俊逸冲淡的倪云林、怪异高古的陈老莲、孤高独寂的八大山人。 哲学家康德曾经研究了美学与品味两者的密切关系，他认为品味是个人化而超越理性的，没有一个普适的好的品味的标准。在东方艺术范畴，“趣味”类似于古代书画家强调的“品”，如朱景玄《唐朝名画录》论及的“神、妙、能、逸”四品，绘画境界的高低与艺术家的志趣、修养相关联。“趣味”之于绘画，是多种视觉元素的混合，表现在作品的笔墨、色彩、材料、质感、构图、造型等各个方面，并与艺术家的人生经历、文化积淀相关联；另一方面，趣味似乎与生俱来，如同一种宿命，抽象而不可言说，在作品中处在某种在场而又隐蔽的状态，如同深潭之底的星辰，光芒隐晦却深邃。 崔彦伟（1963-）年轻时正值现代主义和美国艺术开始被中国艺术界认知的时代，他投入了极大的精力从事抽象色域绘画的研究（影响他的艺术家如马克-罗斯科），同时艺术家对具象写实也有着本能的偏好。在近期有关古典园林的主题中，他削弱空间感，山石、宝塔、草木被当作抽象的拼贴元素，细腻逼真地刻画女性的身体，使画面充满内在张力，放松和紧张感互相作用。谭军（1973-）的趣味悄然地体现在他对纸的挑剔上。在试验过生宣、熟宣和半生熟纸，净皮、棉料、麻纸、元书、云龙、玉版、蝉衣后，他终于找到了适合自己表达的物质载体—“手工原色长纤维皮纸”。原色即不能经过漂白，需呈现一种有生命的、透气的色彩。长纤维能让纸张的韧性增强，也使纸张别具韵味。纸张必须透水但不过于敏感，渗沁必须没有规律….而谭军用纸张粗糙的反面作画。对纸张的原始、质朴等品质的苛求，奠定了他作品沉郁、凝重而不失挥洒灵动的气韵，而他的趣味更表现在古意的境界中清癯的走兽、鹤鸟的造型和神态。黄立言（1976-）绘画灵感的源泉和冲动源于无法摆脱的面对虚妄的存在的游离感，可以感觉叔本华等哲学家关于人生痛苦的哲学对他的影响，也许艺术家自愿地沉浸于苦闷中，述说着超现实而诡异的故事：凶猛的虎、蚊子、鹦鹉与梦游的裸体男人在夜色中相遇；动物与人体拉长变形，好像正被卷进一个扭转到画面深处的空间…但这些场景好像并非象征主义的暗喻（如尼奥赫的绘画），而更与艺术家的趣味相关，带有一定的即兴和游戏精神。女性艺术家祝铮鸣（1979-）在泰国和印度的旅行与文化中找到了自我趣味的对应物：游走在泰国日常喧嚷的街市上淡定的佛教和尚、中性化的人体，冥想般的面容、花纹、瓷器的龟裂、蕾丝和动物的毛皮、蝴蝶繁复花纹的翅膀被她用委婉而不动声色的工笔画法晕染。画面总是动人心弦，令人感到陌生而又熟悉、恍惚惊心, 被无形的魔法笼罩。 宋代画家李唐晚年在南方遭到冷落，曾写下自嘲的诗句：“早知不入时人眼，多买胭脂画牡丹”。趣味是艺术家抵御媚俗情趣与同质化风格的防线；真诚的艺术家忠实于自己的本能，使我们拥有多样化的艺术景观，不至于使中国绘画被写实美女独领风骚；同时，偏执的趣味如同双刃剑，它即是作品独创性不可或缺的源泉，也有可能令创作者陷入其中难以自拔，漠视新的可能性；“忘掉什么是好的Forget about Good”是创新与革命的先决条件。而参展的艺术家如何驯服并驾驭各自的“趣味”、沉迷其中而保持自觉的清醒，继续各自的艺术历险,也值得我们拭目以待。 【展览文献部分：参展艺术家学画轶事或感悟】 崔彦伟（1963-）从事绘画32年 小时候，学校班主任听说我喜欢画画，就安排我和另一个同学在放学后办黑板报，我心想露一手的机会来了。我在黑板中间不到三分之一的地方假模假式地画着阳光照耀下的天安门，同学在两旁写字，他字写完走了，我还在画着我的天安门，天安门画完后发觉下面还空着一大块，于是又很认真地添了几个相互牵手的小朋友在上面，意在表现“我爱北京天安门”，待全部画完我一人又很心满意足地欣赏完自己的“杰作”后才回家。第二天早上一进教室，看见老师和同学们瞧着教室后面的黑板在笑，自己心里特得意，老师见我进来就笑着对我说：放学后，你把天安门下面那几只“猴子”给擦了，画几朵花吧。 谭军（1973-）从事绘画20年 画画，我总尽量避免让自己陷入纯熟的重复中，技巧上的那种操作训练和熟练的技术操作不是我想要的。虽然简单地重复让某些人觉得有一种修行和禅定的状态，我自己也曾这样认同和实践过，但我也很快意识到我并不希望自己在画画时入定。简单地说，我想持续进行有难度地画画。有难度的画画，是对自己整个人的挑战和超越，而不只是指相对于自己在绘画上的提高。我“是一件未完成的作品”，我自己在变，我要塑造我自己，我想用画画来表达自己深处的这些变化，画画因此而可能成为一种极限运动，成为了没有终点的有难度的攀登。像登山者，有专业的知识、技能和装备，有无数的目标在指引，但挑战的不是外在的山峰，而是自身的极限。之所以称为极限，因为它只能追求无法抵达。即使躯体的衰老过程会影响我攀登的速度，但它永远不会改变我前进的目标和方向，心中总有闪耀的目标在召唤。 黄立言（1976-）从事绘画18年 我初二下学期的时候开始和高二学美术的学生厮混在一起，经常去到他们画室玩，和一般正儿八经地课堂上课相比，一切都那么新奇和有吸引力，可以边听音乐边聊天边画画，你甚至可以一个人躲在角落里面发呆。那时候我们在学校附近的一个村子里面租房子，从学校回到住处要经过很大的一片墓地，白天还好，有时晚上一个人回去有时候就有点紧张，又没有路灯，周围一片漆黑，只能唱着歌一路狂奔。那时还不怎么怕鬼，最担心的是遇到蛇，一种叫竹青蛇，听说挺毒的。村子里面还有些学音乐的学生，我们经常会聚在一起买菜做饭吹弹拉唱胡吹扯淡。慢慢的，到了后来，遇到不喜欢的文化课，就经常不去上，都泡在画室里面，以至于后来缺课太多毕不了业，只能在别的学校参加中考…现在回想起来，绘画对我来说，其最大的意义在于，它意味着一种自由的生活状态，在其中，我甚至可以漫不经心无所事事地活着。 祝铮鸣（1979-）从事绘画21年 年少时在浙美求学，我最常去的地方是杭州的寺院，其中最喜欢的是净慈寺，然后是灵隐寺。还记得有时候在湖滨会看见下山的尼姑，她们清新脱俗，我会看她们看很久。后来，我在北京上美院，经常会想念杭州安静的寺院和悠扬的南屏晚钟，也会思考宗教和人的心性的关联。二十岁那年我画了真正意义上的第一张创作《涅磐之卵》，画中的主角是个僧侣的形象，他抱着象征着希望的梦幻之卵，那张画后来获了奖，创作的思路对我以后的绘画都有影响。 研究生毕业创作的时候，我画的布上壁画叫做《般若波罗密》，毕业答辩的时候，有老师问，作品想表达的是什么，我说，“般若波罗密”是用大智慧到达彼岸的意思，我要表达的是“大智慧”。还记得当时在场的陈丹青老师笑着说：“那么一个小姑娘，就知道要有大智慧了！”我不信佛，但我相信“信仰”的力量，我想真正好的艺术创作是要用到“大智慧”的。 中国 北京，龙艺榜画廊 www.LongYiBang.com 2012年5月5日-6月20日 开幕酒会：2012年5月5日下午三点 参展艺术家：崔彦伟、谭军、黄立言、祝铮鸣 策展人：托泥 链接: CAFA
艺博会牵手拍卖公司是引狼入室？
4月底，2012“艺术北京”大幕拉开，本届“艺术北京”不仅当代艺术和经典艺术首次同台亮相，而且6大拍卖公司牵手“艺术北京”，上演春拍预展。而另据艺术市场分析研究中心在微博中公布的数据，截止到闭幕，本届90%以上参展商成交，成交额约3亿元，同比增长57%，占国内上半年艺术博览会成交额的85%。 在艺术品市场，如果按照正常的分工，画廊属于一级市场，拍卖公司为二级市场，而本是画廊业盛会的艺术北京此次引进二级拍卖公司的春拍预展到底合不合理？ 李苏桥(北京创新天下文化发展有限公司董事长)：一级市场画廊与二级市场拍卖行抱团取暖的中国特色健康存在。 眠琴山房(匡时拍卖公司董事长)：在当下中国，任何一个品种和门类的产品只要具有投资属性，都会被挖掘得淋漓尽致。这也是资本积累初级阶段的必然，资本改变游戏规则。 码字机器(中央美院艺术市场研究分析中心研究员马学东)：博览会中加入拍卖公司虽说不符合一般艺博会的惯例，但从中国艺术博览会担任的社会角色看，能够让大众欣赏到更多更好的艺术品，让很多经常光顾拍卖市场的藏家见到更多艺术家的创作，正是博览会应该做的。中国的拍卖需要和画廊抱团吗?今年的市场没那么冷吧?这次在艺术北京消费艺术品的人多了。 赵孝萱(北京邦文当代艺术投资公司学术研究部总监)：我认为拍卖业已经占据艺术市场太多风头、版面与声音，博览会这些拍卖展位应该让给更多国内外好画廊，因为只有一级市场蓬勃发展，市场才真的健全。 河谷清风(网友)：当艺术品普遍成为百姓家居的装饰而不是少数有钱人的收藏和炒作时，这个社会的品位才会上台阶。如今花费几十万装修居室，但四壁除了主人的大头像之外无像样的艺术作品乃是现状。欧美国家，哪里有一个以拍卖行占主导的艺术市场? 流水渡(《收藏》杂志副主编、《收藏趋势》主编)：拍卖公司已是大鳄，画廊尚是小舢板。一面是市场在那儿，一面是利益在那儿，你让他们如何不垂涎，你让他们如何不勾结？顶级画廊的群体的形成，有利于纠正一二级市场的倒挂。但这个群体的形成除了政策、市场，更深的是文化结构。精英的视野、审美以及剔除文化中的投机。 朱其在这里(评论家)：艺博会引入拍卖无疑引狼入室，当代艺术市场不与拍卖切割的话，结局终难逃“成也拍卖，死也拍卖”。 链接：ARTSPY
丹尼尔·布伦（Daniel Buren）受邀为巴黎大皇宫创作作品
法国每年都会邀请一位艺术家在巴黎大皇宫中为特定场域的装置艺术项目“Monumenta”创作一件作品。巴黎大皇宫是一个比泰特现代美术馆的漩涡大厅更让人生畏的场所——就算它的规模没让你产生敬畏感，它的建筑也会。今年受邀进行创作的艺术家则是丹尼尔·布伦（Daniel Buren），他使大皇宫开敞的中殿沉浸在了一片五彩斑斓的光之海中。 上百个与地面保持水平的圆形顶盖充满了整个空间，它们彼此紧挨在一起，大小、高低不一。每一个圆形的不锈钢框架中都伸展地固定上了蓝色、黄色、橙色或是绿色的半透明塑料薄膜。它们被黑白的立柱支撑起来，看起来就像是一片森林一样。 丹尼尔·布伦（Daniel Buren）之所以会选择这几种颜色，主要还是因为这里的塑料薄膜只有这几种颜色；而颜色的排列顺序则是根据其名字的字母顺序而定的。总之，他是在一种固有的情况下创作出这件作品来的，甚至于顶盖的高度也是由大皇宫的最低天花板高度决定的。它没有对建筑结构“提出质疑”，也没有“挑战”观众，而是任由来自巴黎天空的光、疾行的云朵以及斜射入建筑内部的阳光“摆布”。 丹尼尔·布伦（Daniel Buren）的这件作品让人们完全认识了观看艺术这种行为。它不像之前的某些作品那样具有重要的纪念意义，而是将自己奉献给了视觉以及肉体上的享受。 链接：ARTSPY
“冯其庸九十诗·书·画展”在中国美术馆开幕
5月8日上午，由中国艺术研究院、中国美术馆、中国美术家协会、中国人民大学国学院、中国文字博物馆、鲁迅美术学院主办的“冯其庸九十诗·书·画展”开幕式在中国美术馆隆重举行。文化部副部长王文章、中国文联副主席冯远、中国人民大学校长陈雨露、中国美术馆馆长范迪安等嘉宾出席了开幕式。 冯其庸，名迟，字其庸，号宽堂，斋名瓜饭楼。一九二四年二月生，江苏无锡县前洲镇人。曾任中国人民大学教授，中国艺术研究院副院长，现为中国人民大学国学院院长。他不仅是著名的红学家，还擅于书法和绘画。冯其庸先生书法宗二王（王羲之和王献之），所作行草，潇洒多书卷气。在他的书法中有时又反映出画的谋篇布局和笔墨韵致，表现出中国书画在两种艺术形式创作中的相互作用的关系，也论证了书画同源的道理。所书多自己的诗作，更具有文人气息。画宗青藤、白石；山水宗宋元，多得五代江南山水画派董源、巨然笔意墨法，在各种绘画的各种表现方式之间，他更重“聊写胸中逸气”。他的画浓墨放纵，率意而天真，寥寥数笔而能全其气韵神采，透露出其深厚的学养功底。 此次“冯其庸九十诗·书·画展”中的作品均为冯其庸先生近年来所创作书画作品，其中半数的作品是冯先生89岁至90岁所作，且多为大幅作品。参展绘画作品中，既有八尺整的巨幅重彩山水，色彩富丽且对比强烈，又有八尺与六尺整的宋元风格山水，结构精严且笔墨洒脱。画作中有一幅高5.8米，宽2.15米的巨制《嵩阳古柏》，整幅纸只画了一棵古柏，画中柏现存于嵩山嵩阳书院，据说汉武帝东巡时曾看到此柏。书法方面，冯其庸先生此次展出的书法作品其内容均为先生自己的诗作，而且在多幅画作上也有先生的自作题诗，显示了冯其庸的诗人才华。 展览在中国美术馆2、3号展厅举行，展出将于5月15日中午12:00结束。 链接：CHINA
“巴塞罗那国际漫画节”劲吹中国漫画风
“第30届西班牙巴塞罗那国际漫画节”日前在西班牙落幕，中国作为特邀主宾国参加并在评委会特别奖项上斩获颇丰。 历史悠久的巴塞罗那国际漫画节在欧洲漫画领域具有举足轻重的地位，堪称漫画界的戛纳电影节。作为特邀主宾国的中国馆占地面积共计260平方米，是该活动三十年以来占地面积最大的主宾国展馆，展会共展出不同国际语言版本的中国精品漫画图书五百余册，优秀漫画作品上千幅，以展板、展墙、多展面椎体掉顶、展柜、液晶显示器、IPAD等多种展现方式共同结合，通过图片、文字、图书互相搭配的方式让世界了解中国文化，突显中国动漫产业的快速发展，以此向欧洲漫画业界展示出中国漫画的强大实力。 “中国精品漫画推介会”成为本次巴塞罗那国际漫画节的重头戏，吸引了欧洲出版行业上百家著名出版机构以及欧洲各界主流文化媒体、动漫企业、优秀漫画创作者的共同关注。本次推介会共有五十多部优秀的中国精品漫画参展，主办国西班牙对此相当关切重视，众多欧洲著名出版商在推介会后，竞相通过相关渠道进行商业联系洽谈，天津神界漫画有限公司的全彩色漫画作品《西游记》在推介会上正式签订西班牙文版本的出版授权合同。 巴塞罗那漫画节动漫颁奖晚会上，介绍中国漫画行业发展情况的资料片的播出，更是将中国漫画风推向欧洲市场至高点。中国漫画作品神界的《三国演义》，本杰明的《橘子》，青年漫画家莲羊的《龙肆》和日本的动画导演永井豪荣获巴塞罗那国际漫画节评委会特别奖。还有法国漫画家莫比乌斯荣获最佳外国漫画作品奖。 活动由国家文化部文化产业司主办，天津滨海新区人民政府协办，天津神界漫画有限公司策划组织。 链接：CHINA
艺术巴塞尔香港艺博会（Art Basel Hong Kong）将于明年5月亮相
自艺术巴塞尔（Art Basel）的所有者MCH集团在去年收购了香港国际艺术展（ART HK - Hong Kong International Art Fair）的多数股权后，他们就已经为第一届艺术巴塞尔香港艺博会（Art Basel Hong Kong）拟定好了计划：其将于2013年5月23至26日期间在香港会展中心举行。 这其中有一个小插曲——Art Basel方面坚持要用“Art Basel Hong Kong”来取代“Art Basel in Asia”或是“Art Basel’s ...
“笔墨当随时代” 深圳将举办大型国际艺术展
5月8日，大型国际艺术展览《回应——对社会现实的反弹》将在深圳圈子艺术酒店开幕。展览由杜曦云策划，邀请到汪建伟、邱志杰、张大力、张念、何晋渭、毛同强、李一凡等蜚声国际的中国艺术家，和蔡元、奚建军、谢晓泽等著名华裔艺术家，以及Jarg Geismar、Alessandro Rolandi等来自德国、美国、意大利、西班牙的国际艺术家。届时，会有捷克驻华大使利博尔·赛奇卡（Libor Se?ka），和沈其斌、权娟祯、顾振清、邓亚鸣等国内著名美术馆馆长、策展人等出席开幕。同期，专题论坛“艺术产业化在当下的可能性”也在圈子艺术酒店召开，有陈敏、李公明、陈湘波等著名学者和国内各大美术馆馆长、艺术机构负责人等参加。 “笔墨当随时代”，艺术家/艺术作品，是人/行为的一种具体表现形式，是生存在现实中的人，对他的生存体验、思考的一种特定的表达方式。人类的思维方式不愿接受杂乱无章的东西，一定要把它整理得井井有条，于是，在学科、领域、系统的划分中，把某一类人的某种表达、实践方式定义为“艺术”。而且，随着社会现实的流动变迁，“艺术家”和“艺术”的定义，是随着具体的现实情境而不断变动不拘的。 身处现实世界的人，无法拔着自己的头发离开地面，也无法活在真空之中，他的一切行为无不与孕育他的现实息息相关。现实是人的母体，即使宣称可以自成一体的想象和推导，也无法割断现实这一脐带。 时间、空间是人能感知到的基本维度，对于人而言，过去已流逝，未来不可知，“此时此地”是最确切可知的。即使回顾历史、展望未来，也是以当下的感知和需求为支点的。可以把这视为人的局限，也可以视为人的自然属性。 活在当下的人，可以想象和推导未知世界，但当下的具体现实是这些想象和推导的出发点。“吾生也有涯，而知也无涯”，承认人的局限，可以从当下可感知的具体现实出发，划分出已知/未知、可知/不可知、可为/不可为。在自己的局限性内，尽可能准确、清楚的体验、思考现实，以求真切、确实的把握，和谋求更好的改变。这也是当代艺术家的追求。人是有局限的，个人更是局限的，这时，彼此的表达和交流变得非常重要。在开放的交流过程中，彼此的心态、反应定式、思维特征、潜在的价值信念、行为规范等得到修正和补足。在全球一体化的当下，这种表达和交流更显得重要。 链接：CAFA
佩德罗·雷耶斯（Pedro Reyes）个展“Rompecabezas”近日开幕
佩德罗·雷耶斯（Pedro Reyes）个展“Rompecabezas”近日在LABOR画廊开幕。佩德罗·雷耶斯（Pedro Reyes）1972年出生于墨西哥城，现生活并工作于墨西哥。展出作品结合了叙述结构的构架与分类的人类学方法。 作品“Mutantes（Mutants）”是由170张结合了来自古代和现代的神话人物的平板组成。类似于一张元素周期表，这些“神话”的起源由一条轴线组织了起来；在其中，动物和物品与人类（无论男性还是女性）结合到了一起，为人类想象力那些不合常理的产品提供了合理的框架。系列作品“Mano-sillas（Hand-chairs）”呈现了这位艺术家在之前就开始研究的雕塑与设计的交叉部分新的发展。其中每一件作品都由带有铰链式手指的一只左手和一只右手组成；它允许观众去创建动作，近一步探索了非语言行为的构成。我们在作品“Museum Of Hypothetical Lifetimes”中同样也能发现以叙述结构存在的设计。这件作品是某座博物馆的模型，它的建筑平面图中包括了与人生中的不同时刻相对应的展厅以及走廊。在这件作品中，观众可以从一系列带有不同含义的微型物品中任意选择一件或几件，然后将其放置到按照出生到死亡的顺序布置的房间中。学习、工作、恋爱等等成为了用来展示观众选择出来的物品的“主题展区”（他们的选择方式与策展人在策划展览时用到的方式如出一辙），同时对他们自己的生活做了展望和回顾。固定在画廊墙面上的一排长架子上展出了系列作品“How to overcome your fear of painting”，佩德罗·雷耶斯（Pedro Reyes）用自己成为“平面雕塑”的方式绘制了这些作品，画面上的雕像失去了它的其中一个维度，只能通过二维堆叠产生的潜在变化来恢复深度。 链接：ARTSPY
